El Límite

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La Frontera es una banda de rock formada en el año 1984 por un grupo estudiantes de publicidad de la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid. Originalmente el grupo estaba compuesto por Tony Marmota (Bajo), José Bataglio (Batería), Quino Maqueda (Guitarra) y Rafa Hernández (Guitarra) y como líder indiscutible Javier Andreu (Voz y guitarra). Esta configuración sufrió muchos cambios a lo largo de su historia con idas y venidas de músicos de distintas formaciones, sólo Andreu y Tony mantuvieron fielmente la permanencia en el equipo.

Se dieron a conocer como “Las Muñecas Repollo”, pero tras ganar el festival Villa de Madrid de 1984 con su "Duelo al sol" y a sugerencia del crítico de musical Jesús Ordovás cambiaron el nombre por el título de una de sus primeras canciones y también del que sería su primer álbum “La Frontera”.

thumbnail_R-8140537-1455906588-7377.jpegEl patrón dominante de su estilo musical ha estado marcado por un western-rock de entorno fronterizo avalado por unas letras que en su mayoría hacen referencia al lejano oeste. Esta circunstancia no les eximió de crear también grandes temas más próximos al pop-rock tradicional.

Después de un recorrido de más de tres décadas, me quedaré el periodo que va desde 1989 al 1992,  en el que publican “Rosa de los Vientos” (1989), con este trabajo alcanzan la mayor popularidad y éxito. En este periodo también coincide con el recopilatorio  “Capturados Vivos” (1992), un directo que recopila las mejores canciones hasta ese momento como “Pobre Tahúr”, “Juan Antonio Cortés”, “Judas el Miserable”, “Rosa de los Vientos” y por supuesto “El Límite”  entre otras más. Este recopilatorio se grabó en la Plaza Sony de la Isla de la Cartuja de Sevilla durante la celebración de la Expo’92, sin duda catapultó definitivamente al grupo.

Una de las mejores canciones de la Frontera, si no la mejor desde mi punto de vista, es “El límite”, con esta pieza consiguieron fundir de manera magistral una buena melodía con una mejor letra que utiliza perfectamente la nostalgia y la esperanza para tratar un tema tan importante como es el paso del tiempo y la amistad. Cuando todo parece perdido, cuando la oscuridad domina tu horizonte, cuando la desesperación te lleva al límite, llega la mano de un buen amigo dispuesto a sacarte del agujero. Sin duda es la típica canción que siempre te apetece escuchar y por supuesto versionar.

ENLACE DEL TRACK

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https://soundcloud.com/user-97069724/el-limite

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My Sweet Lord

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HARRISON-CHIFFONS

Tras la separación del cuarteto de Liverpool y el comienzo de sus carreras en solitario fue George Harrison en noviembre de 1970 el más madrugador a la hora de debutar como solista con la publicación por Apple Records del que sería el primer álbum triple de la historia “All Things Must Pass”. Posiblemente esta posición de salida no respondió a algo casual, sino que fue motivada por las ganas que tenía de mostrar su valía como compositor después de haber ocupado un papel de segundón tras el tándem Lennon-McCartney.

En este álbum sobresalió de manera estrepitosa “My Sweet Lord”, el primer sencillo de este trabajo, que pronto alcanzó la cima en las listas tanto en Estados Unidos como en Inglaterra consiguiendo además 6 discos de platino. La revista Rolling Stone la situó en el puesto 454 en su lista "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos".

Nació como una idea con cierto aire gospeliano tipo “Oh Happy Day” de Edwin Hawkins para ser incluida dentro del álbum “Encouraging words” de Billy Preston con quien Harrison estaba colaborando en aquel momento, pero finalmente le gustó como quedaba la canción y decidió adaptarla a su estilo y grabarla también en su primer disco como solista.

Motivado por las influencias del hinduismo, fue escrita como alabanza al dios Krishna, sin embargo se consideró un canto religioso con tendencias un tanto ambiguas entre el hinduismo y el cristianismo, donde se repiten coros con aclamaciones judío-cristianas (Hallelujah) mezcladas con partes de mantras hindúes (Hare Krishna).

El misticismo, espiritualidad y tranquilidad que transmite la canción hizo que se convirtiese en un reclamo para un tiempo donde se preconizaba el lema “Paz y Amor”. De esta época de triunfal destaca el primer concierto benéfico de la historia que fue promovido por Ravi Shankar y George Harrison a favor de los refugiados de Bangladesh y celebrado en el Madison Square Garden de Nueva York en agosto de 1971, donde la interpretación de “My Sweet Lord” fue aclamada como un himno.

La paz y tranquilidad que proyectaba esta canción tuvo su fin cuando en 1976 la compañía Bright Tunes Music Corp. demandó a Harrison por plagio, debido a una violación de los derechos de autor, ya que supuestamente imitaba a la canción “He’s So Fine” escrita por Ronnie Mack (1962) e interpretada por The Chiffons, esta canción había tenido cierto éxito en Estados Unidos llegando a ocupar los primeros puestos de las listas durante cinco semanas.

Así comenzó la interminable y enrevesada historia judicial en la que en una primera fase se decretó que era obvio que ambas canciones eran virtualmente idénticas y aunque no se había utilizado de manera consciente la melodía de “He’s So Fine”, se declaró en contra de Harrison por plagio inconsciente. Esta sentencia dio paso a una segunda fase del juicio donde se tenía que concretar el valor de los daños. Se determinaron las ganancias de la canción en los 5 últimos años que ascendieron a 2.155.028 dólares y sobre este total el Juez sentenció que las 3/4 partes del éxito de “My Sweet Lord” se debieron a que la melodía había sido plagiada y la cuarta restante al prestigio de la figura del exbeatle y a la nueva letra. Resumiendo: total a pagar 1.599.987 dólares.

Esta polémica no terminó aquí y le acompañó durante varios años hasta que finalmente en 1990 adquirió todos los derechos de ambas canciones y puso fin así a esta amarga historia.

El 2002 My Sweet Lord volvió a llegar al número uno de las listas del Reino Unido debido a la reedición del disco que se publicó tras la muerte de Harrison.

De esta canción he grabado varias versiones y ésta que presento es el resultado de una mezcla de todas ellas.

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SÓLO POR TU DINERO

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SOLO POR TU DINERO

Un domingo del mes de mayo o junio del año 1984. Acostumbrábamos a visitar el “Mesón Don Álvaro”, en aquella época regentado por Emilio, quien se había encargado de darle un aspecto más próximo a lo que podía ser un pub.

MAQUINAUna vez hecha la correspondiente aproximación espacio temporal, recuerdo que se nos acercó “Berna” y nos dijo “¡chavales!, ¿queréis escuchar lo último del panorama nacional?” y sin esperar respuesta se dirigió a la máquina de discos que estaba al lado de la puerta de entrada y tras introducir la correspondiente moneda de 5 pesetas comenzó a sonar “Para ti”. Así fue como escuche por primera vez a Manolo Tena con su grupo Alarma!!!.

Alarma!!!, un trio formado por Manolo Tena (voz y bajo), José Manuel Díaz (batería) y Jaime Asúa (guitarra), su primer ensayo de nombre fue FBI y finalmente inspirados en el grupo británico “The Alarm” pasaron a llamarse Alarma!!!. Comenzaron siendo teloneros de la banda de Rosendo (Leño). En 1984 publicaron su primer álbum bajo el título homónimo, "Alarma!!!", un buen trabajo lleno de buenas canciones pero sin suerte en el mercado. Un año después lanzaron el que sería su segundo y último LP "En el lado oscuro" y se incorporan como invitados de honor en la gira de Miguel Ríos "Rock en el Ruedo” y tras esta experiencia, nos quedamos con las ganas de su tercer disco ya que el grupo terminó disolviéndose en 1986.

Aunque no tuvieron un gran recorrido, tan sólo dos LPs y un recopilatorio, desde mi punto de vista creo que fue uno de los mejores grupos de la década. Inspirados en “The Police” consiguieron un sonido muy auténtico, con un estilo un tanto contrapuesto como resultado de la mezcla de un rock muy urbano y un reggae progresivo. Una mención especial merecen las letras de las canciones en las que el maestro y malabarista de palabras “Tena” dejó buena muestra de su gran talento.

La canción que versionó en esta ocasión, pertenece al segundo álbum “En el lado oscuro”. Una melodía contundente y pegadiza creada por Jaime Asúa, sobre la que discurre una buena letra a cargo de Tena llena de sentencias que describen una buena y vieja historia: ”Todos te dicen te quiero, pero ninguno es sincero, es una inversión de capital. Todos te dicen te quiero, pero ninguno es sincero, y estas invitada a un carnaval.”

 

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Roxanne

 

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1978 roxanneFue con el radiocasete estéreo Panasonic, que era mi bien más preciado en aquel momento, donde gracias a la programación de Radio 3 y a Rafa Abitbol escuché por primera vez a The Police. Si no recuerdo mal, fue en un programa especial emitido a horas un tanto vespertinas donde Abitbol presentaba en primicia a un grupo que ya estaba triunfando en Inglaterra y EE.UU. Siguiendo la práctica habitual, grabé directamente de la radio las cuatro canciones del programa en una de aquellas cintas BASF: “Next To You”, “So Lonely”, “Roxanne” y “Can’t Stand Losing You”.PANASONIC

The Police, grupo británico formado por tres talentos. Stewart Copeland  a la batería, Andy Summers a la guitarra y Sting (Gordon Summer) al bajo y voz. Se presentaron con un estilo muy particular y difícil de clasificar que algunos críticos lo situaron en la órbita del punk, reggae y pop británico.

Police_0001En 1978 publican su primer álbum, “Outlandos D’Amour”, al año siguiente presentan “Reggatta De Blanc” e inician su primera gira. Un año después editan “Zenyatta Mondatta”, en 1981 publican “Ghost In The Machine” y en 1983 “Sinchronicity”, su último disco. Después de la gira de este último el grupo se disuelve en 1984 y continúan con sus carreras en solitario. En el 2007 reaparecen tocando el mítico “Roxanne” en la ceremonia de entrega de los Grammys para celebrar su 30 aniversario y a continuación inician una gira que terminaría al año siguiente en el Madison Square Garden de Nueva York después 75 conciertos por todo el mundo y vender más de dos millones y medio de entradas.

La interesante historia de la canción que versiono en esta ocasión tiene su origen en octubre de 1977, cuando The Police ya se había definido como trio después de algunos ajustes en su formación inicial y comienzan a buscar lugares para tocar, darse a conocer y abrir un camino en la escena europea. La primera oportunidad la encuentran en Paris, donde actuarán como teloneros de Wayne County & The Electric Chairs en la Sala Nashville.

En una de aquellas noches parisinas Sting salió a dar una vuelta por el Barrio Rojo que estaba cerca del hotel donde se alojaban y viendo a aquellas mujeres que ofrecían sus servicios en la calle, se imaginó una historia de amor con una de ellas y le suplica de manera insistente que no tiene que estar en esas calles por dinero, que cambie de rumbo, que haga otra cosa con su vida y que no encienda más la luz roja…

Al regresar al hotel pudo ver en el hall un cartel que anunciaba la representación teatral  de “Cyrano de Bergerac” y pensó en que ya que Roxanne era el amor tan deseado como imposible de Cyrano también podía ser el nombre de la protagonista de su canción. De la unión de estas dos circunstancias resultó la mítica “Roxanne”.

Roxanne fue el primer single de The Police y aunque el éxito no fue instantáneo ya que en un primer momento sufrió la censura de la BBC por tratarse de la historia de una prostituta francesa, fue relanzada en 1979 y se convirtió en un gran éxito a nivel mundial y un himno que prácticamente nunca faltó en los conciertos de The Police ni de Sting en su carrera en solitario.

 

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“Downstream”-Supertramp

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image   Supertramp, aunque muchos de los más jóvenes identificarán este nombre con el de algún superpresidente que está muy de moda en los últimos tiempos, aclaro que no tiene nada que ver. El nombre pertenece a un grupo británico de rock sinfónico-progresivo y fue propuesto por unos de sus primeros integrantes después de haber leído la novela “Autobiografía de un Supervagabundode William Henry Davies.

Su formación principal estaba compuesta por Rick Davies voz y teclados y Roger Hodgson voz, guitarra y teclados, ambos como líderes y compositores principales, el resto de la banda lo componían Dougie Thomson al bajo, Bob Siebenberg a la batería y como animador principal y dominando los instrumentos de viento John Helliwell.

Tras unos comienzos sin mucho éxito a principios de los 70, es a partir de 1974 con al álbum “Crime of the century”, cuando alcanzan el primer puesto en las listas en Reino Unido y se dan a conocer en toda Europa y Estados Unidos. Después llegaría “Crisis?, what crisis?” (1976), “Even in the quietest moments” (1977) y “Famous last words” (1982). Este último álbum supone un punto y aparte en el recorrido de este grupo y desde mi punto de vista el fin de su etapa dorada, ya que a partir de la gira de su promoción por todo el mundo (1983), Roger Hodgson deja el grupo y da comienzo otro capítulo en la historia de Supertramp. PIANO [Resolucion de Escritorio]

La primera referencia que tuve de Supertramp fue al escuchar la sintonía del programa informativo de los sábados “Informe Semanal”, que utilizó para su sintonía la parte instrumental del final de la canción “Another man’s woman”. Algunos recordaréis aquella melodía tan pegadiza de finales de los 70 y principios de los 80.

SUPERTRAMP [Resolucion de Escritorio]Mi interés por los “Supervagabundos” comenzó a través de una profesora de inglés en el instituto (Mª del Mar), con la que un par de veces al mes hacíamos actividades de traducción y fonética con canciones. El primer día que tuvimos esta actividad llegó a clase con un LP que tenía en la portada un piano lleno de nieve, se trataba de “Even in the quietest moments” de Supertramp y la canción elegida “Gib a lit a bit”. Me encanto.

Una vez “clavado el aguijón” sólo me quedaba ir consiguiendo poco a poco todos sus discos. Recuerdo que Famous last words” fue un regalo de mis amigos cuando cumplí los 18.

Con mucho atrevimiento he subido mi versión de “Downstream”, canción que pertenece al álbum del piano nevado que comenté anteriormente. Rick Davies compuso esta canción y se la dedicó a su mujer Sue. El tema trata con mucha sensualidad sobre los primeros tiempos de enamoramiento de dos personas que comienzan una relación. Tengo una imagen para recordar a propósito de esta canción y es cuando en los conciertos Rick Davies se quedaba sólo en el escenario con su piano de cola bajo una luz cenital y comenzaba a interpretarla. Simplemente ¡Apoteósico!

PD. En esta ocasión he tenido la suerte de poder contar con la colaboración de mis hijas. Lorena ha diseñado la portada del Track y Noemí ha grabado la pista de piano. Muchas gracias.

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“Day Tripper”

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DAY-TRIPPER (2)“Day Tripper” es una canción incluida en el álbum “Rubber Soul” – The Beatles.

Se grabó el 16 de octubre de 1965 y fue compuesta casi íntegramente por John Lennon que se inspiró para su música en "Watch your step" de Bobby Parker. McCartney en esta ocasión sólo aportó algún que otro verso. Lo que más sobresale de esta canción es el magnífico riff de guitarra que curiosamente aunque era una tarea reservada a George Harrison, en este caso es también de Lennon.

La falta de acuerdo entre Lennon y McCartney sobre la canción que debería ocupar la cara “A” del single entre “Day tripper” y "We Can Work It Out”, motivó que al final llegaran a una salomónica y sorprendente decisión editando un single de doble cara “A”, convirtiéndose en el primer single editado con este formato en la historia de la música moderna.

Lennon dijo “Los daytrippers (viajeros de un solo día) son gente que hace excursiones de un día, ya sabes…, en un ferry o algo así…, pero aquí me refería más a esos hippies de fin de semana…, son hippies a tiempo parcial, se ponen sus camisas a flores y todo eso para escuchar música ácida…”. Años más tarde McCartney comentó que la canción hablaba sobre el ácido lisérgico. Lo que está claro es que el sobresaliente riff de guitarra hace que sobre cualquier tipo de interpretación sobre su temática.

A principios de los 80 conseguí, gracias a la colaboración imprescindible de mi amigo Toño Somoza, la discografía completa de los Beatles (en vinilo por supuesto). Me gustaría recordar aquella “operación mercantil” tan interesante para los dos con esta versión.

En algún lugar

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duncan dhu El grito del tiempoPertenece al álbum “El grito del tiempo” (1987) y es posiblemente una de las composiciones de más éxito del grupo donostiarra formado en una primera etapa por Mikel Erentxun, Diego Vasallo y Juan Ramón Viles y desde 1989 sólo y de manera intermitente por los dos primeros. Duncan Dhu.

Los que hemos pasado por la tesitura de tener que ponerle nombre a un grupo sabemos que es una tarea un tanto complicada. Duncan Dhu como nombre siempre me llamó la atención por lo raro que era y parece ser que tiene su origen en la novela “Secuestrado”, de Robert Louis Stevenson autor también de “La Isla del Tesoro” o “El Extraño Caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde”. La novela cuenta las aventuras de David Balfour y su amigo Alan Breck por las Highlands escocesas. En un capítulo un posadero llamado Duncan Dhu que aloja a los protagonistas, participa en el desenlace de un enfrentamiento entre Alan Breck y un visitante proponiendo, cuando estaban a punto de batirse en duelo, que resolvieran sus discrepancias con un “duelo de gaitas escocesas”. Los propios integrantes de Duncan Dhu han desvelado que no se trataba de un personaje transcendente en la novela pero que les gustaba como sonaba, así de simple.

Sin dejar de reconocer que con un gran nivel creativo y una trayectoria llena de grandes éxitos estamos ante uno de los grandes grupos dentro del panorama nacional, no es uno de los que más me han gustado, aunque algunas canciones como la que presento están dentro de mis preferidas.

Mikel Erentxun es el autor de la música con esta melodía tan poderosa y pegadiza y Diego Vasallo lo es de esta letra que se ha prestado a todo tipo de interpretaciones, desde que si era una manifestación en contra del aborto, tema candente en aquellos años, hasta otros que defendían que se trataba de una denuncia sobre la pobreza y la desesperación que se vivía en algún país de África o Hispanoamérica. El propio Vasallo ha comentado en varias ocasiones que es un grito de protesta que identifica un espacio cargado de tristeza y dolor que nos invita a una reflexión sin señalar a un país concreto.

Esta versión viene de una transformación casi total de una anterior mucho más lenta y simplona que había hecho en plan acústico hace ya algunos años. Nunca me gustó demasiado el resultado y un tiempo más tarde la retomé y recuperando el tempo de la original, le añadí bajo, guitarras, sintetizadores, voces y una potente percusión para darle más fuerza. Una vez mezclado todo esto, quedó algo así.

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